ARTE, ARTESANÍA, DISEÑO : UNA familia incomprendida.

La artesanía y el arte son muy, muy antiguos, tan viejos como la propia humanidad y el diseño es muy joven, un jovenzuelo que acaba de llegar al mundo con un siglo de historia , hablando en cifras redondas, mientras sus colegas tienen miles de años, pero, !caramba!, el diseño habla a sus colegas mayores de tú a tú, lo cual resulta desconcertante e inquietante para artistas, artesanos y consumidores.

Arte y artesanías de la Prehistoria:Venus de Willendorf, 25.000 a.C./ Gorro de oso pardo y Mochila de piel de diversos animales y soportes de madera, pertenecientes a la momia de Ötzi, 3.255 a.C. Neolítico, Edad de Cobre.

El arte y la artesanía nacen y se desarrollan simultáneamente allá donde se encuentre un grupo de "homo sapiens" y nos acompañan desde que existimos. Desde hace miles de años, la esencia del ser humano se construirá a través de la artesanía ( este animal tiene manos hábiles y construirá objetos útiles para desarrollar funciones prácticas y asegurar su supervivencia) y el arte y la religión que se confunden durante siglos, (este animal tiene "conciencia de muerte" y construirá "mitos" para explicarse a sí mismo y a los demás quién es y para qué vive y muere).

Cultura celta, artesanía,detalle del escudo de Witham, bronce,coral rojo y decoración geométrica,400 a.C./ Arte: escultura zoomorfa de piedra arenisca con un disco entre sus patas, llamado "Mikeldi", siglo IV a.C., Segunda edad de Hielo./Arte: Pinturas rupestres de Chiribiquete, Amazonas, Colombia, Edad de Hielo, 12.500 años de antigüedad.

Este ser humano, tan complejo, tiene dos funciones básicas que tiene que satisfacer para garantizar la continuidad de la especie: función material (práctica) y función espiritual (simbólica). Sus dos grandes creaciones: artesanía y arte (religión) se complementan y satisfacen durante siglos estas dos ineludibles necesidades humanas, creando con la suma de las dos disciplinas lo que llamamos CULTURA, que enriquece y diferencia a los distintos grupos humanos: Cultura china, nigeriana, maya, esquimal, japonesa, europea,.... todas las culturas son la suma de las dos actividades:

Arte y artesanía : Expresión - Oficio, Alegoría /simbolismo - Utilidad / funcionalidad.

Artesanía egipcia: Trompeta de plata y su núcleo de madera, cámara funeraria de Tutankamon/ Arte Mesopotámico: Diosa Isthar, Babilonia, 2.500 a.C. / Arte Maya: Mural del templo de Bonampak, Chiapas, México, siglo VIII d.C.

Hace unos 6.000 años, más o menos, con el nacimiento y desarrollo de los Imperios Agrarios ( Mesopotamia, Egipto,...), el arte pierde la dimensión familiar del clan y su esencia tribal para expandirse como arte del Estado, al igual que la religión, confundiéndose con los dioses, convirtiéndose en el vehículo ideal para la transmisión de valores, ideales y creencias necesarias para la consolidación del poder político-económico-religioso, es decir, el Poder.

Arte Normando: Tapiz de Bayeux, siglo X, técnica (artesanía): bordado, relata la conquista de Inglaterra por Guillermo I, duque de Normandía y la victoria sobre los sajones. Es un "cómic" medieval realizado por la duquesa Matilde y las damas de la corte. / Arte: Incunable del siglo XV, Biblioteca Laurenciana, Florencia.El libro es una de las más importantes aportaciones de la Edad Media, hasta la invención y desarrollo de la imprenta, su elaboración era un trabajo en equipo que requería varios oficios: pergaminero, escribiente, dibujante, encuadernador,etc./ Arte Gótico: Catedral de León, siglo XIII, rosetón, artesanía u oficio: vidriera. Cada época o movimiento artístico elige la artesanía que mejor le ayude a expresar sus ideales.El Gótico es luz, por lo tanto, la luz coloreada de las vidrieras simboliza la luz de Dios.

La artesanía, completaba esta función "propagandística" del arte , realizando no solo los objetos de uso cotidiano, si no lo piezas exquisitas que toda "majestad", requiere.

Durante siglos, las sociedades humanas han funcionado así, desde América a China pasando por Europa y África, el arte y la artesanía, como dos buenas e inseparables compañeras, han construído el patrimonio material e inmaterial del mundo.

Arte: Salero de Francisco I de Francia, realizado por el escultor, orfebre y teórico B. Cellini, siglo XVI, aunque su función es práctica, disponer de sal en la mesa, su simbolismo y composición supera su aspecto funcional, representando los valores del Renacimiento./ Artesanía: Bargueño castellano, siglo XVII, el bargueño es un mueble de origen español realizado en madera que destaca por sus numerosos cajones y su versatilidad que permite su uso como escritorio o como arcón de transporte./ Artesanía:Carruaje rococó, monarquía austríaca,siglo XVIII.Un ejemplo de artesanía "exquisita".

Pero, todo empezó a cambiar a partir del siglo XVIII cuando en Gran Bretaña germinó la Revolución Industrial con el invento de la máquina de vapor por James Watt (patente de 1769) que en un principio fue fundamental para la producción textil, la navegación y el transporte.

Se inició un proceso de profunda transformación que marcó un punto de inflexión en la historia humana. Supuso la transición de una economía agraria y artesanal a una dominada por la industria y la fabricación mecanizada.

La Revolución Industrial aceleró y globalizó el mundo; estamos ya en la Cuarta Revolución Industrial, pero la velocidad es tan grande, que es posible que, para cuando haya terminado este escrito, estemos ya en la Quinta o Sexta Revolución o en el Neolítico, en el peor de los casos.

Arte: Madame Recamier de J.L. David, óleo sobre lienzo, 1.800.Ha transcurrido muy poco tiempo desde la Revolución Francesa (1.789), pero el cambio social es enorme, en el cuadro domina la sencillez, el ambiente clásico helenístico, La Ilustración y su modelo artístico el Neoclasicismo inauguran la modernidad occidental y el fín de Antiguo Régimen./ Arte: Arquitecturas Neoclásicas: Museo del Prado de Juan de Villanueva, (1.786)

La idea de fundar Museos, es decir, acercar el arte, la ciencia y la cultura al pueblo es una herencia Ilustrada, pues la educación fue la prioridad de la Ilustración./ La Casa Blanca de James Hoban (1792-1.800), el nuevo estado de norteamérica, independizado en 1.776, se inspira en Europa y en el legado grecorromano y "palladiano". (Palladio fue un arquitecto italiano del XVI, con una influencia enorme en el mundo anglosajón)

El arte y la artesanía respiraron este nuevo orden, pero de forma diferente : El arte se adaptó mejor que la artesanía a esta nueva situación, dado que "Arte" es un concepto cambiante en el tiempo y en cada sociedad y ni siquiera se puede cerrar en una sola definición, porque tiene varias según la época, movimiento artístico, sociedad,etc. Por ejemplo,la fotografía podría haber afectado negativamente a la pintura, pero la crisis afectó a los pintores de retratos y poco más. Rápidamente se convirtieron en aliadas para las artes, un nuevo oficio (artesanía),recién inventado que cumplía diversas funciones, entre ellas, la función simbólica de representar el mundo,(arte) como la pintura, escritura, audiovisuales,etc.

Arte: Vista de Gras, la fotografía más antigua que conocemos, de N. Niépce (1.824). Arte: Viaje a la luna, de G. Méliés, (1.902) , primera película de ciencia ficción. Tecnología:

Ferrocarril (1.825) ; La fotografía, el cine, el tren,...cambiaron nuestra relación con el tiempo y el espacio, con el mundo.

La artesanía entrò en crisis a mediados del siglo XIX, la producción industrial era más barata y rápida y los beneficios más altos para el empresario. Hacia 1850, Karl Marx pronosticó que el artesano desaparecería y se convertiría en proletario u obrero industrial.

Pero, había un problema, los artesanos iban desapareciendo y empobreciendo, cumplían una función práctica, pero ahora no era imprescindibles aunque fueran los conocedores de los oficios y además el proceso industrial se veía como algo "peligroso" para la sociedad. Un buen artesano era y es, aquel que practica su oficio con maestría, algo difícil pues un oficio es costoso y lento de aprender, por lo que los románticos veían en la decadencia de la artesanía, la decadencia de la sociedad.

Durante la Primera Revolución industrial, las fábricas producían productos más baratos y asequibles que los artesanales, pero muchos eran feos, sin armonía ni elegancia alguna e incluso, tampoco cumplían bien su función, por un momento, pareció que la industria no podría llegar al nivel de la artesanía en belleza y función práctica, que las buenas manos de los artesanos y artesanas eran insustituibles y que las máquinas no lograrían el valor de una pieza artesanal.

Así pensaban muchos intelectuales europeos, sobre todo ingleses y franceses a mediados del XIX, creían que la industrialización destruiría el arte y la artesanía y que la creatividad humana estaba en peligro.

Eran románticos e historicistas, habían idealizado la Edad Media con sus gremios y su esquema de enseñanza: aprendiz- oficial- maestro y elevado al arte Gótico como modelo de renovación de la sociedad europea

Arte : Arquitecturas Historicistas: Castillo de Arteaga de G.A. Ancelet, Urdaibai, (Bizkaia), estilo Neogótico,(1.859) promotora: Eugenia de Montijo,emperatriz de Francia/ Pabellón real de Brighton (Inglaterra) , estilo Neoindio u orientalista, de J. Nash (1815) / Arte: "Demonio" de Notre Dame de París (siglo XII), construido en el siglo XIX. Las gárgolas y quimeras de la catedral gótica de París fueron realizadas por E. Viollet- le- Duc ingeniero restaurador y escritor romántico entusiasta del Gótico y del medievo.El romanticismo aupó al historicismo, frente a los ilustrados que se inspiraron en Grecia y Roma. El historicismo se inspira en estilos "históricos" y así tenemos el NeoGótico, Neomudéjar, Neorrománico, Alhambrismo, Neobarroco, Eclecticismo etc.

William Morris, (1.834-1.896) era todo esto y mucho más, era un Socialista Utópico; al contrario que el Socialismo marxista, no creía en la destrucción del capitalismo y su sustitución por la Dictadura del Proletariado, si no en la reforma del sistema capitalista, en la mejora de las condiciones de vida del pueblo a través de la educación y de una artesanía de calidad que devolviera al pueblo la dignidad y la "alegría de vivir" rotas por la industrialización.

Tuvo la ilusión de salvar a la sociedad a través del arte y la artesanía, sin tener en cuenta, la lucha de clases ni las condiciones de producción en un periodo histórico de capitalismo salvaje.

Este arquitecto, escritor, pintor, teórico del arte, artesano y agitador social, miembro de la élite británica educada en Oxford, fundó hacia 1.860 el movimiento Arts and Crafts para la renovación, estudio y producción de objetos artesanales de alta calidad.

Las cooperativas e instituciones Arts and Crafts (Artes y Oficios) tuvieron un éxito tremendo en Europa y América: Muebles, cerámicas, textiles, joyas, arquitectura, forja, ediciones de libros, tipografía, lámparas,...influyeron en toda una generación de artistas y artesanos.

Pero, pronto se vió el problema del que W. Morris fue consciente y que expresó cuando dijo:

" Todo lo que hacemos no sirve nada más que para al cochino lujo de los ricos".

Artesanía: Dormitorio Arts and Crafts, historicismo, segunda mitad del XIX./ Arte: Arquitectura Arts and Crafts, "The Red House" de Ph.Webb,(1.859) residencia de W. Morris/ Artesanía Arts and Crafts : Modelos para cerámica y azulejos, inspirados en la naturaleza, segunda mitad del XIX.

Los productos Arts and Crafts eran muy caros, querían hacer un "arte del pueblo para el pueblo", sin embargo, el pueblo no podía acceder, ni de lejos, a la artesanía de Arts and Crafts. Su error fue el ser "antimaquinistas", W. Morris no vió las posibilidades que la industria y la mecanización ofrecían para la renovación y producción de bienes de consumo, un error que sus numerosos discípulos subsanaron, dejando de ser unos "rompe máquinas" y comenzando a estudiar las posibilidades que la industria ofrecía.

A pesar de este error, W. Morris , en su defensa de la artesanía, dictó la primera ley de lo que posteriormente sería el Diseño:

El primer deber es la función y la configuración constructiva y no la originalidad de la forma.

Este concepto, junto con el respeto del material y la inspiración en la naturaleza, iluminó el camino hacia el Modernismo (tiene varias denominaciones, según el país : Jugendstil, Secesión, Liberty, Modern Style y otras, todas equivalentes a nuestro término, Modernismo, muy influenciado por el Art Nouveau franco-belga).

Estamos a fines del XIX, en la Segunda Revolución Industrial dirigida por la burguesía que en alianza con la vieja aristocracia, se ha enriquecido con las fábricas y la producción en serie.

Las ciudades habían cambiado, con sus cafés, teatros, tranvías,... y una animada vida nocturna, la sociedad burguesa estaba deseosa de lucir atuendos y complementos "modernos", lejos del historicismo que había dominado una parte importante del XIX en las artes y las artesanías.

Diseño Gráfico Modernista: Carteles publicitarios de papel de cigarrillos Job de A. Mucha, (1.896), Art Nouveau / Champagne Codorniu de Ramón Casas, (1.898) /Arte: Edificio de la Secesión (Viena), centro fundamental para el desarrollo de las artes, artesanía y el diseño modernista, conocido como estilo Secesión, (1.897) de J.M. Olbrich.

El Modernismo, heredero de Arts and Crafts, definirá el fín de siglo y el comienzo del XX y dentro de él, surgirán los primeros intentos del Diseño Industrial.

Naturalmente, estos intentos se iniciaron en países que habían hecho la Revolución Industrial como Alemania y Gran Bretaña; en lugares con economía agraria, estos debates no se produjeron, o se dieron a pequeña escala.

Alemania, gran admiradora del Arts and Crafts británico, impulsó esta nueva disciplina: el diseño, a través de una organización, la WERKBUND, fundada en 1.908 por el arquitecto Muthesius con el beneplácito del gobierno alemán.

La razón era económica, deseaban competir con Gran Bretaña, la primera potencia mundial, en la fabricación y venta de bienes de consumo y para ello, razonaron, la producción alemana debía ser funcional, competitiva económicamente y atractiva estéticamente.

Un miembro de la Werkbund, un artista del Jugendstil, (Modernismo alemán), el pintor Peter Behrens, fue contratado por la empresa AEG (1.908) para la realización del edificio de la fábrica, la dirección y proyección de todos sus productos, incluida la tipografía y la imagen corporativa.

Arte: El beso, Peter Behrens, xilografía para la revista alemana Pan, (1898) / Diseños para AEG, Peter Behrens, tetera y lámpara, principios del siglo XX. P. Behrens acuñó la famosa frase lema del Movimiento Moderno (racionalismo): "Menos es más", atribuida erróneamente a Mies Van der Rohe, que fue su ayudante.

Fue tan importante este encargo, que arquitectos del Movimiento Moderno, (no confundir con Modernismo) es decir, racionalistas, como Le Corbusier, W. Gropius y Mies van der Rohe, fueron al estudio de P.Behrens siendo jóvenes arquitectos para aprender de su experiencia.

El camino del diseño fue lento, la resistencia de artistas y artesanos ante las nuevas formas de producción, muy grande, pero, a principios del XX, entre 1.905 y 1914 eclosionan el Cubismo, el Futurismo, el Expresionismo y el Constructivismo, posteriormente nacerán Dada (1916) y el Surrealismo (1924), dando lugar a lo que denominamos VANGUARDIAS HISTÓRICAS.

Su revolución fue tan impresionante que afectó a toda la cultura, sus análisis sobre los elementos del arte y su función, cambiaron nuestra mirada, poniéndola en consonancia con la sociedad moderna occidental, que para bien y mal, ha sido el modelo del resto del mundo. Las Vanguardias se abrieron a otras culturas: Africana, Precolombina, Oriental, etc. inspirándose en ellas, gracias a nuevas ciencias como la antropología, biología, sociología y otras.Simultáneamente, conectan con el nuevo mundo moderno industrial y científico, el siglo pasado, que era: trepidante, caótico, sensible, estimulante, violento, ordenado, ruidoso, cruel, revolucionario, humanista y no sé cuántas cosas más, como todos los siglos, como todos los tiempos, como las propias Vanguardias Históricas.

Arte: Las Señoritas de Aviñón, P.Picasso, (1907) / Primera acuarela abstracta, W. Kandinsky, (1910) / Carga de la caballería, U. Boccioni, (1915). Cubismo y primitivismo, Abstracción (Expresionismo) y Futurismo.

En 1914, un viejo y terrible horror asoló el mundo, la Primera Guerra Mundial; muchos jóvenes artistas murieron en los campos de batalla y los que tuvieron más suerte no volvieron a ser los mismos, el mundo había cambiado y ellos, también.

No solo la guerra, en octubre de 1917, los bolcheviques dirigidos por Lenin tomaron el poder en Rusia fundando un régimen comunista, una revolución total que ilusionó y despertó ideales de igualdad y justicia en una parte importante de la población y mucho miedo y rencor en la otra mitad.

Las Vanguardias Rusas se pusieron al servicio de la revolución con creatividad y entusiasmo, ellos y ellas (había muchas mujeres) experimentaron, trabajaron, crearon en una sociedad sin propiedad privada (algo único en la historia), con hambre y frío, la situación era difícil pero los corazones estaban calientes. Los CONSTRUCTIVISTAS, miembros destacados del rico mosaico de las vanguardias rusas, ven una oportunidad para "hacer un arte del pueblo para el pueblo", abandonando la pintura de caballete para realizar un "arte social": teatro, cine y espectáculos de masas con música, canto, danza,... y diseño, utilizan el término "social" por que creían que la función del artista era igual que la de un médico, un panadero o una maestra, rechazaban el ideal romántico del "genio" y su propósito era ser útiles a la sociedad cumpliendo honestamente con su trabajo.

El compromiso y la ilusión terminaron pronto, cuando el gobierno comunista con Stalin al frente dejó claro que no quería artistas ni diseñadores "libres", tampoco ciudadanos y ciudadanas pensantes, sino obedientes y reprimidos, para lo que era necesario "un arte del Estado al servicio del Partido Único" , unido el culto a la personalidad de Stalin.

En 1.930, el silencio impuesto a las Vanguardias rusas fue total, un final trágico propio

de los años oscuros y criminales que vendrían.

Diseño Gráfico: ¡LIBROS¡ proclama Lilia Brik con su pañuelo de proletaria, A. Ródchenko, fotomontaje, (1925) . A. Ródchenko junto con el poeta futurista W. Mayakovski, crearon la primera agencia de publicidad al servicio de la Revolución, mezclaron propaganda, arte, diseño, ingeniería,...El Constructivismo ruso desarrolló una creatividad, innovación y compromiso social que le colocan en un lugar preeminente en la cultura del siglo XX. Este cartel de propaganda política es uno de los más "copiados" e inspiradores del Diseño Gráfico./ Arte: Arquitectura,Torre de comunicaciones o Monumento a la III Internacional, W. Tatlin, (1919). No realizado. A pesar de no haberse construido, es una de las obras más influyentes del siglo XX y la obra maestra del Constructivismo pues aúna la función práctica, en su interior contiene emisoras de radio en espacios geométricos que giran y la función simbólica, la espiral representa el avance del proletariado y su dinamismo social. Es o hubiera sido la "Torre Eiffel" del proletariado./ Diseño textil: Vestido, camisa y detalle de la tela, Livlov Popova, (1924), miembro destacado del Constructivismo, esta artista multidisciplinar desarrolló un gran trabajo en diseño textil, incluyendo el vestuario de teatro.

El fantasma de la posguerra recorre Europa en 1.919, hay muchas heridas por sanar, mucho por reconstruir tanto en el plano material como espiritual.

Alemania está deshecha, ha perdido la guerra y lo que es peor, ¿Quienes son los culpables de semejante desastre?.Una pregunta difícil de responder, pues tiene varios responsables...En esta situación, en abril de 1919, el arquitecto Walter Gropius funda en Weimar una escuela con fondos estatales, será la famosa BAUHAUS,(1919-1933) que asumirá la tarea histórica de redefinir, estudiar y producir "arte" en las nuevas condiciones socio-económicas europeas. Será la institución que aglutine a las Vanguardias, su espacio de diálogo y confrontación; ideas contrapuestas dialogaron en este Centro, Expresionistas y Constructivistas, artistas todos ellos, difieren en los planes de estudios de la Escuela. Los Expresionistas, herederos del romanticismo y el posimpresionismo defendieron la artesanía y los Constructivistas, herederos del cubismo y el futurismo, el diseño industrial.

Este debate, que abarcó a toda la Escuela, terminó con la "victoria" de los Constructivistas, que al igual que sus colegas rusos, veían en la tecnología y las máquinas, no a enemigos, sino aliados para la creación.

Bauhaus: Diseño:lámpara de estudio, Marianne Brandt, (1923) / Diseño: juego de construcción, Alma Buscher, (1923) / Arte: Ballet Triádico, (1922), Oskar Schlemmer.

Por fín, el diseño será analizado, estudiado y producido, gracias a que realizarán los primeros planes de estudios del mundo para formar esta nueva profesión. Sí el diseñador no trabaja como un artesano o un artista, es lógico que su formación sea diferente; no necesita conocer los oficios como lo hacen los artesanos, si no que deberá trabajar en equipo, estudiar materiales y la función específica de lo que vaya a proyectar, deberá saber dibujar y conocer la teoría del color, conocer la tecnología, saber de economía de empresa, de historia del arte, estar muy atento a los movimientos sociales y políticos, realizar prototipos, desarrollar una mente lógica e ingenieril y a la vez, ser creativo e innovador.

Un trabajo complejo que sólo es posible realizarlo satisfactoriamente dentro de un equipo, al contrario que un artista o un artesano, que perfectamente pueden elegir la soledad de su taller o su estudio, si así lo desean.

Bauhaus tuvo el mismo final trágico que sus colegas rusos; el nazismo y el comunismo, dos regímenes autoritarios, necesitaban un arte y un diseño al servicio del Estado y de su ideología anti humanista. De la artesanía, ni se preocuparon, pues ya no era relevante ni social ni económicamente.

El Movimiento Moderno o Racionalista, puso las bases del diseño que se desarrollará con fuerza después de la Segunda Guerra Mundial (1940-1945), alcanzando su cenit con la expansión de la clase media, la sociedad de consumo, las vacaciones pagadas, el sistema democrático, y la generalización de la sanidad y educación públicas.

El diseño industrial ha alcanzado tal nivel de perfección que actualmente una persona con alto poder adquisitivo no tiene mejores productos industriales que alguien de clase media. No me refiero a la arquitectura y a los vehículos, si no a los objetos de uso cotidiano. El diseño ha permitido una mejor calidad de vida, más tiempo libre y una democratización de los bienes de consumo.

Diseño: Silla Vassily, Marcel Breuer, Bauhaus, Primera silla metálica de la historia, (1925) / Arte: Iglesia de Notre Dame du haut, Le Corbusier, (1950)/ Diseño: Tumbona Vals, Peter Zumthor, (2007). El racionalismo, más que un "estilo" es una actitud basada en dos principios: "El lugar dicta el proyecto" y " la función dicta la forma".

Pero, la psicología del ser humano es compleja, amamos lo que nos diferencia, necesitamos expresar nuestra individualidad y nuestros logros personales, también los éxitos económicos. La industria y el diseño, atentas a los cambios sociales, desarrollarán a partir de los años 70, lo que conocemos como Diseño Posmoderno, que cambiará la primera ley del Diseño Moderno:

"La función dicta la forma" por "El estilo dicta la forma".

La función sigue estando, claro está, pero en la Posmodernidad no es prioritaria, entrando en consideración elementos como la extravagancia, la fantasía, el precio (caro) y el esnobismo, alimentando el sueño de una "exclusividad" alejada de la vulgaridad de la clase media.

Diseños Postmodernos: Sillón de Memphis Group, fundado en 1980 por Ettore Sottsass. Sus muebles y su diseño de interiores son coloristas, pop, divertidos, con un punto "kitsch" y poco funcionales./ Diseño postmoderno: Exprimidor de cítricos "Juicy Salif" de Ph. Stark (1988), fabricado por Alessi en 1990, es uno de los mejores ejemplos de posmodernidad, exprime "regular" pero es muy original, escultórico, inspirado en un calamar (según Ph. Stark), funciona más como símbolo de status que como exprimidor.

Diseño postmoderno: Juego de piezas para té o café, fabricado por Alessi (Italia), diseñado por el arquitecto posmoderno Ch. Jencks en 1983, está formado por una jarra de leche, una tetera, un azucarero y una bandeja, representa muy bien la postmodernidad con sus referencias históricas clásicas (columnas greco-romanas), en contraposición al espíritu moderno-racionalista que evita el ornamento y las referencias historicistas.

El movimiento Moderno, heredero de la Ilustración y alimentado por las Vanguardias Históricas, se inspiró y se inspira, en el Arte Abstracto Geométrico (Constructivismo) para la Arquitectura y el Diseño, mientras que el Movimiento Posmoderno, toma como referencia la Cultura Pop y el Arte Figurativo coincidiendo con la crisis de la Modernidad y de la Razón Ilustrada.

Y ¿ donde están el arte y la artesanía en las sociedades tecnológicas del siglo XXI?

Como hemos visto, el arte es eterno, de una forma u otra, pervive y pervivirá mientras seamos seres humano. La artesanía, ha perdido su función principal que lo ha ocupado el diseño, pero sigue siendo importante desde el punto de vista cultural por varias razones: representa la tradición y sin tradición no hay innovación, es un patrimonio, es la depositaria de los oficios,( todo lo que existe, tiene un oficio detrás, desde la escritura, el cine o la peluquería), es la "antepasada" del diseño y estudiar la vieja artesanía con sus soluciones y formas educa al diseñador, es un "romanticismo", un recuerdo de donde venimos, una ilusión y un placer disfrutar del trabajo bien realizado.

Actualmente, el principal consumidor de artesanía es el turista o el viajero, de hecho, hay una floreciente industria de artesanías tradicionales dedicadas al souvenir turístico, generalmente barato y de baja calidad, que coexiste con la Alta Artesanía también con su propio mercado, más reducido y exclusivo.

La Alta Artesanía tiende a unirse al Arte y el futuro de la otra es incierto, algunas desaparecerán o serán residuales.En la actualidad gozamos de Ferias, Muestras y Museos de Arte, Artesanía y Diseño e incluso, los Museos importantes han asumido que es fundamental para ellos abrirse a la artesanía y sobre todo al diseño y no solo al arte.

Este texto no desea cerrar el tema, sino abrirlo hacia una reflexión sensata y documentada a partir de hechos objetivos e históricos sobre el presente y futuro de estas tres actividades que conforman nuestra vida y nuestra cultura.

Las tres son valiosas y necesarias, dignas de ser estudiadas, apreciadas y disfrutadas por la gente, teniendo presente que es el DISEÑO el que representa y define nuestra sociedad industrial-tecnológica, puesto que es un producto de ella, el elemento indispensable de nuestra forma de vida y es nuestra responsabilidad apoyar un diseño sostenible que mejore las condiciones de vida de toda la humanidad.

Artesanía: Pala de madera.

Diseño: Pala de hierro.

Arte: Atril, Gabriel Ramos, (1993).

Pala industrial intervenida por el autor.

Acero y madera.